Música Con Criterio

En una época como la que vivimos de sobreinformación y donde todo el mundo puede expresar sus opiniones gracias a internet, es difícil que la gente se ponga de acuerdo en sus preferencias y cada vez es más difícil encontrar la unanimidad en las nuevas propuestas artísticas. Aunque pienso que esto no debe de ser algo completamente nuevo, pues no me creo que cuando se estrenó “Ciudadano Kane” toda la crítica la aplaudiese al unísono. Y como ejemplo más claro no hay más que mirar la indiferencia que suscitó “Blade Runner” en su estreno (muchos críticos aún deben estar escondidos debajo de una piedra) y el fervor casi religioso que suscita ahora.

Uno de los directores actuales que más discrepancias está generando es Wes Anderson. Este director nació en Houston en 1969 y estudió Filosofía en la Universidad de Texas, donde conoció a su amigo Owen Wilson. De esa amistad surgió el que sería el guión de su primer cortometraje “Bottle Rocket”. Se ha convertido en el emblema de la generación de cineastas norteamericanos independientes que vio la luz a comienzos de los años 90. A Anderson se le suele incluir dentro de la denominada Nueva Comedia Americana, donde también destacan los realizadores Alexander Payne (“Entre Copas”, “A propósito de Schmidt”), Paul Thomas Anderson (éste ya reconocido por los grandes medios gracias a “Magnolia” y la reciente “Pozos de Ambición”), o Todd Solondz (“Happines”, “Bienvenidos a la casa de muñecas”), y los actores Ben Stiller, Will Ferrel o Jack Black. La mayor característica de esta generación es un peculiar sentido del humor, o como dice Jordi Costa: “su poshumor sería el fruto de la perplejidad del espectador frente a una respuesta pretendidamente cómica”. O para que nos entendamos, los herederos directos de gente como John Landis (“Los Blues Brothers”) o Blake Edwards (“El Guateque”, “La Pantera Rosa”). En cuanto a los actores el ejemplo más claro podría ser el gran Peter Sellers o más recientemente Bill Murray (un actor que como veremos sigue en plena vigencia).

El estilo en concreto de Anderson se podría resumir en una cuidadísima puesta en escena, con un gran sentido del detalle y la contraposición de colores; una exquisita elección de la banda sonora, donde conviven los Rolling Stones y The Kinks con música árabe o brasileña; la recreación de un universo siempre único sobre un marco aislado y dotado con sus propias leyes; el equilibrio entre comedia y pesimismo, con un sentido del humor muy cuidado aplicado a situaciones delicadas (como es el intento de suicidio); y la predilección por unos personajes pintorescos encerrados en sí mismos con incapacidad de encajar en el mundo real. Sus detractores, sin embargo, le acusan de ser un mero fabricante de historias entretenidas pero insustanciales, unos chistes que no pasan de lo simpático en el mejor de los casos, pero sobre todo de su afán de ser trascendente en unas películas con una impecable factura visual pero vacío en su contenido. Estas acusaciones no sólo se quedan en él, sino que son los mismos reproches que se hacen a autores “pijos” de su generación como Sofia Coppola o la española Isabel Coixet.

Su primera obre fue “Ladrón que roba a ladrón” (1996), un filme que es la puesta de largo de su primer cortometraje “Bottle Rocket”, con la misma trama y los mismos personajes. En España no llegó a ser estrenada en pantalla grande y se lanzó directamente en vídeo, pero hoy en día aún es difícil localizarla. La historia la crearon a tres manos, el propio Anderson, Owen Wilson y su hermano Luke, y supuso el despegue de sus respectivas carreras (Owen, en estos momentos recuperándose de su intento de suicidio…). Narra la vida de dos amigos que recién salidos del manicomio que ingresaron voluntariamente, intentan alcanzar algunas de sus sueños y para ello terminan metidos en el mundo del crimen. Como es de esperar, los personajes al final de la cinta habrán llegado a una meta pero la que ellos se habían planteado. Esta es la premisa de todas las películas de este director: los sueños frustrados, y como conciliarse con el presente. La primera hora mantiene un listón muy alto, con escenas memorables como la huida del manicomio y el atraco a la librería. Después decae, pero el final vuelve a ser magnífico (es especialista en esto). Aunque le falta ritmo y el nivel de complejidad es aún menor, su estilo ya comienza a estar muy presente. Destacables son la actuaciones de los dos protagonistas y sobre todo de un gran James Caan. De este último poco queda por decir, pero Owen Wilson merece estar entre uno de los mejores cómicos de sus generación como posteriormente demostraría con la obra maestra que es “Zoolander” (2001) de Ben Stiller.

Tan sólo dos años más tarde dio forma a la que es una de sus mejores obras: “Academia Rushmore” (1998). En ella descubrimos a Max Fischer (interpretado por Jason Schwartzman) un estudiante (entre entrañable y repelente) de una pija universidad americana, que se enamora de una de sus profesoras, pero la cosa se complica cuando su amigo, el profesor Blume (Bill Murray) también la quiere conquistar. Aquí el director ya da rienda suelta a todo su ingenio y nos regala una inteligentísima comedia ácida sobre la juventud (pero desde un punto de vista muy adulto) y, por supuesto los sueños incumplidos. Si algo hay que destacar (aparte de su siempre impecable puesta en escena) son los maravillosos personajes, que siendo unos egoísta despiertan una gran ternura, y unos diálogos que lejos de ser empalagosos son muy emotivos. Hay que reconocer que los actores están a la altura, destacando a Bill Murray y Jason Schartzman, que aquí comenzarían su fructífera relación con Anderson: el primero como actor fetiche y el segundo como coguionista (también ha hecho buenas migas con la familia Coppola. Se podrá decir que ha pegado un pelotazo).

Con “Los Tenembaums. Una Familia de Genios.” (2002) tocó techo. Si en su anterior trabajo creaba un maravilloso trío protagonista, en esta ocasión nos regala una familia entera, con un reparto espectacular (Gene Hackman, Ben Stiller, los hermanos Wilson, Anjelica Houston, Gwyneth Paltrow…). Tras un genial prólogo con los acordes de “Hey Jude” de los Beatles, nos presenta a estos peculiares personajes. Los hijos prodigio: un tenista depresivo, un prometedor empresario inventor de los ratones dálmatas, y una decadente dramaturga. Los padres: ella paleontóloga responsable y él un patriarca crápula vividor. Pero el paso del tiempo no trata a todos bien por igual, y aunque intenten cambiar el pasado, nunca lo lograran: las heridas siguen aún abiertas. Anderson describe diálogos y situaciones sin buscar la risa fácil y sin caer en la parodia ni la crueldad, pero realiza una hermosa comedia (en el estilo clásico de la palabra) que en el fondo trata del amor, muerte, soledad, cariño… Es decir, los grandes temas universales del ser humano.

Una vez consolidado en el panorama cinematográfico, Anderson llevó a cabo unos de sus proyectos más ansiados, “Life Aquatic” (2005). Otra vez con un gran reparto, en el que repiten muchos de sus habituales, pero que además incluye a Willem Fafoe. Un lujo. Es la historia de una especia de Jacques CousteauHenry Sellick (“Pesadilla Antes De Navidad” 1993) para recrear las especies marinas. Y, por supuesto la BSO, que rescata temas del primer David Bowie originales y otros interpretados por Seu Jorge en brasileño. Mención especial merece el tema de Sigur Ros en la escena del tiburón, pues no se me ocurre una música mejor para acompañar esas imágenes. Por el contrario, se trata de su obra más pretenciosa (en el mal sentido de la palabra) y a parte de perder mucho fuelle en la recta final, tiene momentos muy forzados. De todas maneras, una película con un encanto que es difícil resistirse. (interpretado por Bill Murray) que busca la existencia de un mítico tiburón acompañado por su estrafalaria tripulación (que no deja de ser otra de sus familias disfuncionales). Este tema ya le venía dando vueltas desde tiempos de “Academia Rushmore”, donde un acuario ya tenía una gran importancia en el guión. El resultado es su filme más desigual, en el que encontramos algunos de los mejores momentos de su carrera con otros de nivel inferior. A favor de la balanza decir, que su estilo visual ya está completamente formado (y alejado a años luz de los demás), llegando su cumbre, que es la hermosa escena final cuando toda la tripulación, por fin, descubre el gran tiburón. Hay que destacar también el excelente trabajo de

Normalmente, a partir de la idea de un corto se desarrolla un largometraje, pero en su último trabajo, Anderson ha hecho lo contrario. A raíz “Viaje a Darjeeling”“Hotel Chavelier” (2007), para contextualizar uno de los protagonistas de la película (Jason Schwartzman). En ella nos cuenta el reencuentro, en una habitación de un hotel de París, de una pareja de relación imposible que no pueden estar ni juntos ni separados. Uno de los alicientes para verla es la oportunidad de ver a la bella Natalie Portman desnuda, resaltada por una hermosa fotografía y una efectiva cámara lenta. Para algunos merece la pena más este corto que la película completa. Puede que no les falte razón. Pero si algo me quedo de esta obra es la genial utilización de la canción de “Where do you go to my lovely” de Peter Sardstedt. (2007), se le ocurrió rodar una pequeña historia llamada

En “Viaje a Darjeeling”, vuelve a reincidir en su apuesta formal para construir un relato que aúna todas sus virtudes (y también sus defectos). En él nos muestra el viaje de tres hermanos a la India para recuperar su confianza y reencontrarse con su madre, es decir otra excusa para mostrar familias que buscan su reconciliación. El Filme tiene momentos brillantes (el cameo de Bill Murray, las disputas de los tres hermanos, la relación con su madre), pero es inevitable caer en la sensación que los mecanismos de representación, el desarrollo de personajes y la temática son demasiado parecidos a toda su obra anterior. Sin embargo, una vez más Anderson sale victorioso y es imposible salir del cine sin la idea de haber visto una historia entrañable, única y fascinante.

En estos momentos sus fieles seguidores van a seguir adorándolo (en los que yo me incluyó) y sus detractores siempre tendrán motivos de sobras para criticarle (si son bien razonados, no les faltan). Pero lo que es indudable es que mientras sigue habiendo directores tan personales, innovadores y, por supuesto, que sean capaces de generar opiniones contrastadas, el cine seguirá siendo el fascinante séptimo arte. Ahora sólo nos queda esperar a ver que nos ofrece en su nuevo proyecto, “The Fantastic Mr.Fox”, un filme de animación en el que adapta al también genial Roald Dahl.

El 18 de mayo de 1980, Ian Curtis, cantante del grupo Joy Division, llegaba solo a su casa de Macclesfield. Se puso en la tele “Stroszek” (de Werner Herzog), una de sus películas favoritas, después escuchó el disco “The Idiot” de su querido Iggy Pop y decidió ahorcarse en la cocina con una cuerda de tender por la noche. Con tan solo 24 años, terminaba la carrera de una de las figuras más importantes de la música popular de las últimas tres décadas. Nunca sabremos cómo hubiera evolucionado en un futuro, pero lo que es innegable es su influencia en infinidad de bandas de todo tipo de estilos: desde el punk, la música electrónica o el rock siniestro. Grupos como The Cure, Editors o los mismísimos U2 le deben estar muy agradecidos.

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Lleno absoluto en La Casa Del Loco para escuchar en directo el nuevo disco de El Columpio Asesino, “La Gallina” (2008). Es la tercera vez que nos visitan, tras su paso por FNAC y el Centro Cívico de la Universidad y resulta obvio que en cada entrega ganan más adeptos y sus conciertos son más multitudinarios. La publicación de su tercer disco está generando la misma expectación que sus anteriores obras, y no es para menos, ya que se trata de su trabajo más equilibrado y personal. Ya han conseguido superar sus variadas influencias y han logrado encontrar un sonido propio con unas letras y universos muy personales.

Abrieron la noche los zaragozanos De Vito (antiguos componentes de Sullivans), un grupo que en escaso tiempo han disfrutado de un ascenso meteórico en la escena local. Tienen temas tremendamente divertidos (sobretodo “Clap your hands say co”) pero su tecno-rock en directo sigue resultando un tanto plano. En muchas ocasiones sus instrumentos parecen quedar sepultados por los bailables ritmos marcados por su portátil. De todas maneras supieron derrochar energía y hacer pasar un buen rato a los primeros espectadores.

En los últimos meses, El Columpio Asesino ha sufrido varias bajas y los hermanos Arizaleta se han hecho cargo de la dirección de la banda, han introducido a un nuevo bajista (con una importante presencia en los coros) y a una teclista y cantante muy activa (que ya había colaborado con ellos en algún tema en el pasado). Es destacable la continuidad del trompetista, que ahora además de su instrumento se ocupa de una percusión complementaria que le da una nueva profundidad rítmica a varias de sus composiciones. Un detalle, a priori secundario, es que en su nueva gira llevan un técnico de sonido propio, pero en un grupo de sus características resulta fundamental para plasmar el sonido del álbum en directo.

La primera en sonar fue “El Destacamento”, un tema que resume a la perfección lo que encontramos en su nueva obra y a lo largo de su actuación: atmósferas inquietantes, hermosos coros de mujer, explosiones de intensas guitarras y letras sucias y misteriosas. La primera parte del concierto se centró en algunos de sus temas más guitarreros como “Edad Local”, “Aham” o “México”, para luego dar paso a su faceta más arriesgada y experimental con “Moscas” o “No tienes que decirme nada”. En los primeros, desde luego es donde más cómodos se sienten y más efectivos resultan, pero los instante más interesantes fueron cuando apostaron por el nuevo camino marcado, con “La Ceniza” como uno de los momentos álgidos de la noche.

Cuando llegaron los bises, el público completamente entregado, pidió a gritos las canciones que querían que para cerrar la velada. Como no podía ser de otra manera esas peticiones se trataban de los temas más bailables, es decir “Floto” y “Luca 44-48”. Los de pamplona satisfechos por el excelente trato a lo largo de la noche no pudieron decir que no. El resultado, un apoteósico final con un intenso baile en la parte central del escenario.

El Ciclo de bandas aragonesas de Muévete en Directo llegó a su fin, y lo hizo de una forma distinta a lo que nos tenía acostumbrados. La última cita se dio en la mítica sala La Casa Del Loco (en la que muy pocos artistas noveles tienen la oportunidad de tocar) y además los grupos invitados se alejaban de la vertiente pop-rock a la que estábamos acostumbrados, y se volvían a centrar en los sonidos más duros (propios del reciente Festival Nuevo Metal de Zaragoza). La otra nota característica fue el altísimo y brutal volumen con que los técnicos le pusieron a los grupos, no obstante, se les llamó la atención por parte de la organización. Por lo demás discurrió la noche normal con el buen nivel de público mostrado durante todo el ciclo.

Los primeros en aprovechar ese derroche de vatios fueron Thrauma, una formación trash a la vieja usanza pero con una voz más gutural. Tras un comienzo dubitativo por parte de sus miembros, comenzó una tormenta de guitarras estridentes, bajos atronadores y una batería aplastante. La mayoría de las canciones se ajustaban a lo aprendido por sus maestros, pero mezcladas con momentos más progresivos e instrumentales. Conectar con el público no les fue tarea fácil, pero regalar el “Seek & Destroy” de Metallica es munición infalible. Para rematar la faena en la recta final del concierto recurrieron a una acelerada versión de “Bloody Roots” de Sepultura. La gente contenta, pero seguramente con una ligera pérdida de audición.

En la siguiente actuación el volumen de la sala ya se bajó considerablemente, pero poco les importó a Khornea, que salieron con ganas de tocar muy fuerte y muy alto. Esta banda está muy cerca de los postulados de los anteriores pero con una mayor velocidad, cambios de ritmo más bruscos, apenas solos de guitarra y sobre todo un cantante con una actitud mucho más punk y provocadora (además salió al escenario con una especie de pene gigante en sus partes…). Como ya había avisado anteriormente el cantante de Thrauma, su concierto no dejó indiferente a nadie, y desde la primera canción se formaron los primeros pogos y cuernos al aire, creando un clima mucho más agresivo y físico, siendo la tónica esta hasta el final de su buena actuación.

Después de toda esa actitud de agresividad (que nunca pasó de lo estrictamente musical), los encargados de decir adiós a este ciclo fueron Thorgeir, un grupo con una pose mucho más lúdica y festiva, de hecho, salieron al escenario con faldas escocesas y con las caras pintadas, recordando a Mel Gibson en “Braveheart”. También son un grupo de metal, pero con una mayor presencia de teclados y unas patentes influencias del folk noruego. Al comienzo de su show mostraron su cara más dura y combativa (con ataques a la SGAE incluidos) pero al final optaron por dar rienda suelta a su pasión por el “Viking-metal”, para alegría de su público, que no paro de bailar a sus pies hasta el final de su espectáculo.

Y hasta aquí todo lo que ha dado el Muévete en Directo. Esperemos que se tenga en cuenta la gran aceptación por parte del público (además considerando el incremento con respecto al año pasado), y el buen entendimiento por parte de los grupos participantes, y al año que viene volvamos a disfrutar de algunas de las mejoras bandas zaragozanas consolidadas con otras que estén empezando en este fascinante arte que es la música.

La actuación de estos grupos debería haberse celebrado hace casi un mes, pero por problemas técnicos surgidos en el C.C de las Delicias, este concierto se vio obligado a posponerse hasta el día 19 de Abril. El lugar escogido finalmente para el evento fue el C.C de la Universidad, uno de los espacios a los que más público se acerca. Pero ese día no ocurrió así. El motivo: el Real Zaragoza jugaba en casa, y contra el Recre nada menos (se juegan ambos la permanencia). Así que una vez más, el deporte rey hizo mella en las actuaciones.

Muy poca gente había gente a primera hora, pero Nico Cassinelli empezó la actuación de todas maneras, no sin antes desear suerte a nuestro equipo. Nico es un músico argentino afincado en España y que está comenzando una nueva carrera musical en solitario en nuestro país después de haber editado varios discos con su grupo Orsai en su Argentina natal. Su estilo se mueve entre el pop clásico, pero influenciado por el tango y folk sudamericano. Esa noche desplegó una banda de 5 músicos, con percusión, cajón, guitarra y teclados, recreando un ambiente muy relajado e intimista. Una sensación que se reforzó más gracias a que entre canción y canción explicaba su origen o significado. A lo largo de 40 minutos hizo un recorrido por el amor, recordó la influencia de los antepasados y homenajeó a su querida Buenos Aires. Quiso terminar con una canción de la cultura popular argentina que no tiene autor para reivindicar todavía más sus orígenes.

Pensamiento 24 es un grupo aragonés surgido hace muy poco pero que ya cuentan con varios conciertos y concursos a sus espaldas. De hecho, aún se encuentran sumergidos en la gira de presentación de su primer disco “Retorno Al Corazón” (2007), y su actuación se centró en los temas que incluye su debut. Su estilo posee muchas influencias del rock latinoamericano, como puede ser Maná (han ejercido de teloneros de varios grupos latinos aquí en España), destacando un gran protagonismo de los punteos de guitarra. Su exhibición fue más que correcta pero se les nota que les falta algo de fuerza para tener algo especial del que hacer gala, aunque si algo no les falta fueron ganas de hacerlo bien y de pasar un buen rato haciendo lo que más les gusta.

Aunque si hubo un grupo que salió al escenario con ganas de arrasar (a pesar del escaso público que aguantaba) fueron Los Sultans. Se trata de un grupo muy joven pero con unas tablas y una presencia escénica envidiable, destacado un carismático y desmadrado cantante. Sabiendo que poseen un potente directo ya consolidado en la escena zaragozana, esa noche quisieron hacer un show distinto, y se centraron en regalarnos versiones de las canciones y grupos que más admiran intercaladas por algunas propias. Así abrieron fuego con un tema blusero instrumental para a continuación atacar con el “Tie your mother down” de Queen”, y a partir de allí no hubo ningún momento descendente ni de relleno: Tequila (“Rock & roll en la plaza del pueblo””), Los Bravos (“Los Chics con las chicas”), Los Beatles (Twist and shout). Todas ellas ejecutadas con una fuerza tremenda. Las suyas no se quedaron atrás, “Hey Mama”, es un estupendo ejercicio de rock sucio y “You and me” es un interesante tema con influencias reggae. Para cerrar recurrieron a la banda que mejor ejemplificó en rock and roll en los 60, los Rolling Stones, con su tema “Jumpin’ Jack Flash”. Muy a seguirles de cerca.

El IV Festival de Nuevo Metal de Zaragoza cerró su ciclo el pasado 17 de abril y el balance no puede ser más positivo, la asistencia ha sido bastante alta y el nivel mostrado ha sido destacable. En su última jornada (otra vez en jueves, y la sala Reset) se volvió a repetir el éxito de público.

Los encargados de abrir la noche fueron SED, un grupo surgido a comienzos de 2005 pero que en poco tiempo ya han ganado algún concurso en nuestra ciudad y han podido telonear a grupos de cierta repercusión mediática como Pignoise. Su propuesta se aleja de las coordenadas más duras de este ciclo y se centra más en las melodías cantadas en español y con unas influencias más variadas que van desde Foo Fighters a Sepultura, aunque si hay un grupo al que recuerdan es a Sober. A la hora de demostrarlo en directo no hubo muchas sorpresas, muy buen oficio, sección rítmica muy potente y una actitud desafiante, sin embargo no consiguieron conectar con el público (que no estuvo especialmente dinámico) hasta pasada la mitad de la actuación. Los mejores momentos llegaron cuando invitaron al escenario a los cantantes de los otros dos grupos participantes en una especie de improvisación en la recta final de su actuación.

La imagen que proyectan los grupos de este tipo de música no suele ser muy elaborada, pero Corpore son una excepción y salieron al escenario impecablemente uniformados: pantalón negro y camisa roja, corbata y raya en los ojos es su vestimenta oficial. Al igual que SED, muestran una mayor variedad de influencias en su estilo, pero se diferencian en unos ritmos más rápidos y variados, y sobre todo por un cantante más aficionado a gritar. También a ellos les costó mucho ganarse a unos espectadores perezosos y estáticos, que no reaccionaron hasta la segunda mitad del concierto, especialmente cuando interpretaron una metálica versión de “Go” de Pearl Jam”. Es de agradecer el apoyo y buen entendimiento que hubo entre las bandas y para devolver el favor de la colaboración de antes, volvieron a subir a las tablas los 3 cantantes. Solo les pusieron una condición: ellos también debía llevar camiseta roja por lo menos.

De toda la hornada de un-metal que arrasaron con el mercado mundial a principios de  de esta década, pocos son los que tuvieron mayor repercusión de lo estrictamente mercantil, pero si hubo un grupo que mereció la pena de esa época, fueron los americanos (varios de origen armenio) System Of A Down. Armeniam nacieron como una banda tributo de esta banda pero ya han comenzado a desarrollar una carrera propia aunque no muy alejado de los postulados de sus maestros. También ellos cuidan mucho su imagen y salieron al escenario con la cara pintada de una forma muy carnavalesca y llamativa. Comenzó su show con unos riffs entrecortados adornados con una risa maquiavélica del cantante (muy parecido a lo que hacía Mike Patton con Faith No More. ¿Cuándo se les valorará como se merecen?), y por fin los presentes parece que se despertaron y comenzó a haber movimiento en las primeras filas. No obstante, fue la mejor actuación de la noche, muy potente y rica en matices. Y sí, hubo invitación a los demás grupos, aunque en esta ocasión para regalarnos una magnífica versión de SOAD.  Gran ovación por los presentes y los miembros del grupo se despidieron con un sentido agradecimiento.

La segunda jornada del IV Festival de Música Metal de Zaragoza contó con un considerable aumento de afluencia y la Sala Reset se volvió a llenar de una gran variedad de público, aunque el número de camisetas negras y pelos largos fue mayor que la cita anterior. El recinto continua siendo un lugar ideal para escuchar conciertos de estas características, ya que posee un gran equipo de sonido (el volumen creo que estaba incluso más alto que en otras ocasiones), pero cuando el aforo es excesivo, si no coges buen sitio en el centro de la pista pierdes un poco de visibilidad. De hecho, muchos fueron los que vieron el evento desde las escaleras de la entrada, para disfrutarlo mejor y además evitar la violencia que se creó a pie de escenario.

Noion, un grupo formado en Zuera hace un par de años, fueron los encargados de abrir la noche. Su propuesta es un metal enérgico y potente pero muy influenciado por el funky (en la línea de Faith No More), con un cantante que grita, rapea o se pone melódico de una forma muy convincente. Desde el primer tema salieron con ganas de pasarlo bien, y ellos eran los que no paraban de moverse y saltar por el escenario, pero el público aún estaba un poco frío, lo que llevó al enfado de su cantante. Al final, lo logró, pero no sin esfuerzo. Tanto se ganó al público que no pararon de pedirle que les hiciera “un calvo” (algo que por lo visto sí que debe regalar en otras ocasiones) pero él muy amablemente declinó la propuesta. Muy divertidos.

Los momentos más duros, extremos y experimentales llegaron de la mano de Ewah. La verdad es que no entendí ni una sola de sus letras, aunque con títulos como “El Club De La Lucha”, “Indigestión” o “El Rostro Del Ansia” ya se ve por donde andan los tiros. Pero lo importante es cómo transforman ese sentimiento en música: una base rítmica atronadora, unas guitarras claustrofóbicas y un cantante con una voz desesperada y cabreada. El momento cumbre llegó cuando invitaron a cantar a un antiguo miembro del grupo y se enfrascaron en un espectacular duelo de gritos (algo que haría las delicias del mismísimo Mike Patton). Toda esa violencia del escenario se trasladó a las primeras filas y los pogos y los empujones no se hicieron esperar. Su cantante en plena euforia se mezcló entre el público y se recorrió toda la sala empujando a los que encontró en su camino, para posteriormente ser levantado en brazos por varios de sus fans. Fue un concierto espectacular pero no recomendable para oídos sensibles. Aunque no todo fue rabia y agresividad, al acabar su actuación por los altavoces sonó la mítica canción de “La Vida de Brian”, "Always Look on The Bright Side Of Life". Y es que la vida a veces puede ser maravillosa.

Después de semejante tempestad, el público se volvió a acercar sin miedo al escario para escuchar a Jodío Loco Sucio. Se trata de un trío con una larga trayectoria en la escena underground estadounidense y con cierta repercusión en el Caribe, de donde son dos de sus miembros originarios. El cantante y guitarrista es Leo Susana, conocido por estas tierras como el nuevo miembro del famoso grupo de humor “Pututtú de Fua”; a la batería se sienta la portentosa Gigi Cano, que hizo una actuación impresionante  y más teniendo en cuenta sus pequeñas proporciones; y cierra la formación al bajo el zaragozano Marce Marco. Ellos tres se bastaron para lograr un concierto dinámico y potente en el que mezclaban composiciones metaleras con otras más rockeras. Las letras, como no podía ser de otra manera, mezclaban sentido del humor con mensajes reivindicativos (en algunos momentos recordaban a Molotov) con temas como “Ah, Los Dictadores” o “Maco Jones”. Sin duda fue la actuación que más disfrutó los allí presentes, de hecho, fueron los únicos que regalaron varios bises. Entre ellos dos simpáticas versiones de Judas Priest (Breaking The Law”) y de AC/DC (“Highway To Hell”). El trío se sintió tan cómodo que sobrepasaron su horario de actuación, y aunque al final de cada composición decían que era la última, a continuación arrancaban con una nueva. A nadie le pareció mala idea.

El jueves 3 de abril comenzó la IV edición del Festival Nuevo Metal de Zaragoza para deleite de los que buscan los sonidos más duros y extremos del rock. La cita fue en la Sala Reset, que vuelve a apostar por este estilo de música para sus conciertos y se convierte en una de los recintos especializados en el rock duro. La respuesta, teniendo en cuenta que era jueves, fue más que positiva, unas 150 personas. Destacable fue la ausencia del prototipo heavy (pelo largo, pantalón pitillo…), y la gran variedad de espectadores que asistieron al evento fue la nota dominante.

 Los encargados de abrir el festival fueron el grupo Skator, directos herederos del sonido trash de los 80 (de hecho el cantante y guitarra rítmica era casi un clon del Kirk Hammett de Metallica de aquellos tiempos). Llevan muy poco tiempo tocando juntos, así que de momento sus actuaciones se componen de versiones de la banda de culto Kreator. Muchas ganas había entre el público por escucharlos: a la primera canción ya se alzaban cuernos al aire, y con la segunda ya se formaron los primeros pogos. Aunque esa emoción por suerte, se suavizó a lo largo de la actuación. Desplegaron una ejecución perfecta, y más teniendo en cuenta la celeridad con la que lo realizaron, algo fundamental para este estilo de música. La única pega que tuvo fue que la guitarra solista a penas se pudo escuchar y esos punteos a la velocidad de la luz perdieron eficacia. Para acabar su espectáculo lo hicieron de la mejor manera posible, con la que es probable la gran canción del metal: “Angel Of Death” (“Reign In Blood” 1986) de Slayer, y lo que es mejor, consiguieron tocarla a la misma endiablada rapidez. Mucho respeto ante esto.

Continuaron la sesión, Nathenothing (divertido juego de palabras), un grupo que deja de lado la vertiente más trash y se centra en los sonidos metaleros más pesados, casi ausencia de solos, y un cantante con una voz gutural que daba miedo (no menos miedo daba él dadas sus dimensiones). Nada más salir ya dio orden que aquello no podía seguir así de parado y exigió que la gente se moviese. No pudo ser. Desde el comienzo tuvieron problemas con las cuerdas de la guitarra y se vieron obligados a interrumpir su actuación en dos ocasiones, algo que no ayudó a darle que la gente centrase en su propuesta. Ya en la recta final, se recuperaron de todos los problemas y su energía comenzaba a hacer mella en los presentes, lástima que en ese momento llegase el final de su tiempo. Muchos se quedaron con las ganas.

Volviendo a la estética de la que ha hablado antes, Bothside es un grupo que su imagen más parecen un combo de pop que otra cosa, pero en el momento que subieron a las tablas y tocaron las primeras notas, la cosa cambio radicalmente. Si los primeros apostaban por el trash, los segundos por el metal, estos se centraron en la vertiente más hardcore, unas guitarras más afiladas, cambios de ritmos más marcados, voz mucho más gritona, además de una actitud más punk (casi todas sus canciones iban dedicadas a alguien con muy mala baba). Al igual que el resto de los grupos anteriores, su cantante no dejó de animar a los allí presentes para que bailasen y cantasen con ellos, y no dudó en bajarse del escenario cuantas veces hiciera falta para mezclarse entre el público. Cuando por fin estaba llegando el concierto a su momento álgido, de repente, su actuación termino, para desconcierto para los que estábamos allí. De todas maneras, una brillante actuación que cerró esta primera jornada y dejó un buen sabor de boca.

Expectación. Esa es la palabra que mejor define los momentos previos a la celebración de los conciertos en el Centro Cívico de la Universidad. Y es que eran muchas las ganas por ver la vuelta a los escenarios de los Bloody Marys’s, y no es que el resto de grupos no estuvieran a la altura (porque ya han demostrado también su enorme valía), pero es que 6 años apartados de los escenarios, son muchos años. Eso se notó desde primeras horas de la noche, en la que hubo más gente que cualquier otro día, de hecho en el momento álgido del evento (cuando se juntó todo el público de los 3 grupos) se sobrepasarían las más de 300 personas.

Señorita Evans es un grupo formado muy recientemente, pero están lejos de ser unos músicos novatos, puesto que ya llevaban varios años consolidados en la escena aragonesa con su grupo A Mala Gana. Este fue su segundo concierto tras el ofrecido en la Fiesta de San Pepe en el Parque de Atracciones de Zaragoza (en el que hicieron el mismo set), por lo que también ellos arrastraron a varios seguidores curiosos. Presentaron varias de sus nuevas composiciones como “Los Suicidas” o “Mala Fortuna”, que siguen los pasos de rock americano de su anterior proyecto. Por ese camino es por donde discurrió la mayor parte de la actuación aunque también hubo momentos de explosión al más puro estilo power pop. La mayoría de los nuevos temas fueron muy bien recibidos, pero como tienen un pasado muy reciente, no se olvidaron de ofrecer a su público temas de A Mala Gana, como “Madrid” o “El Blues Del Ambrosío”. Siguen estando en buena forma tras su lavado de cara.

Otros que están de celebración son Nubosidad Variable, pero estos por llevar 10 años sin bajarse de los escenarios (aunque al día siguiente lo celebraron por todo lo alto en la Sala Oasis). Hace 15 años, cuando comenzaba a escuchar música, me preguntaba cual sería el sonido de los 90 que quedaría para la posteridad, y ahora que ya ha pasado el tiempo suficiente para verlo desde una buena perspectiva, podría decir que el directo de estos cuatro zaragozanos, es un buen resumen de aquello. “Basket Latex” (con la que abrieron), la podrían haber firmado los Radiohead de la época de “The Bends”; “Final Times” es un temazo digno de Mogwai; y “Orbita” es una pegadiza canción del mejor power-pop con unas guitarras a lo U2. Pero no sería justo reducir su propuesta a una buena combinación de grandes grupos. Han logrado trascender a todas sus influencias y crear un sonido muy propio, además, su concierto fue magnífico de principio a fin. Los allí presentes así lo sintieron, y se notó en todo momento su apoyo. Aunque una de las claves, sin duda, fue la fuerza con la que se comunicaba el cantante, que no dudaba en bajarse del escenario cada vez que hiciera falta para estar entre el público. Para cerrar su show echaron mano de “Oh, oh, oh” (podría ser un himno de estadios), ideal broche final, para que los fans pudieran cantarla con ellos.

Un fenómeno curioso que ha venido sucediendo, es que en estos conciertos, la primera fila no era tal. La primera fila, siempre se encontraba 1 metro delante del escenario, como si hubiera miedo por acercarse, y cuando se rompía esa barrera imaginaria era por la insistencia del cantante de turno. Sin embargo cuando los miembros de Bloody Marys hicieron acto de presencia en el escenario, todos los que aguardaban su actuación le perdieron el miedo a esa línea y se acercaron lo máximo a ellos. Eso demuestra las ganas que había de verlos. Comenzaron con dos cásicos, “When You’re Gone” y “Waiting For You”, pero a la tercera ya presentaron algo de sus nuevas composiciones, “Out Put 1-2”. El cambio más destacable: el idioma. Por fin cantan en castellano. Con “Walking Away”, una pieza muy funky, aprovecharon para presentar su nuevo bajista. A partir de ahí ya tenían a los presentes ganados, pero uno de los momentos más aplaudidos fue el magnífico final de “Cry”, con un guitarra pletórica. Se despidieron con “Moon Is Bleeding”, un tema divertido y pegadizo que podría haber formado parte de una campaña publicitaria de refrescos de finales de los 90. Al final, grandes aplausos (más que merecidos) y todos el mundo con cara de satisfacción. La única pega es que no regalaron ningún bis ,que más que nosotros, ellos se lo merecían.

Un año más, la escena del metal zaragozano sale a flote gracias a este festival autogestionado que llega a su cuarta edición. En el escenario de la Sala Reset, y a lo largo de los días 3, 5, 10 y 17 de abril, un total de doce bandas aragonesas presentarán su directo, demostrando la buena salud del género en la capital aragonesa.

Como novedad este año y gracias a la colaboración del colectivo Aragón Musical y Zaragoza Cultural el Festival se integra dentro del ciclo de conciertos de grupos zaragozanos de Muévete en Directo.

Todos los conciertos tendrán lugar en la Sala Reset a partir de las 21 horas y con entrada libre. Además, a lo largo del festival habrá un puesto de merchandising con material de los grupos participantes.

El cartel del IV Festival Nuevo Metal es:

Jueves 3 abril: BOTHSIDES + NATHENOTHING + SKATOR
Sábado 5 abril: JODIO LOCO SUCIO + NOION + EWAH
Jueves 10 abril: REDRUM + RUIDO ROJO + C4
Jueves 17 abril: SED + CORPORE + ARMENIAN